Día Mundial del Teatro

International Theatre Institute ITI
World Organization for the Performing Arts
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Mensaje del Día Mundial del Teatro 2011

Un discurso a favor del Teatro como servicio a la humanidad

Por Jessica A. Kaahwa, Uganda.

La celebración de hoy es un reflejo fiel del inmenso potencial que posee el teatro para movilizar comunidades y tender puentes.

¿Han pensado alguna vez que el teatro podría ser una herramienta muy poderosa para la paz y la reconciliación? Mientras las naciones gastan colosales sumas de dinero en misiones de paz en zonas de conflictos bélicos por el mundo, se presta muy poca atención al teatro como alternativa personalizada para la gestión y transformación de conflictos. ¿Cómo pueden los ciudadanos de la madre tierra alcanzar la paz universal si los instrumentos que se emplean provienen de poderes externos y aparentemente represivos?

El teatro impregna sutilmente el alma humana presa del miedo y la desconfianza, alterando su propia imagen y abriendo un mundo de alternativas para el individuo y, por tanto, para la comunidad. Puede aportar significado a la realidad diaria mientras previene un futuro incierto. Puede participar en temáticas de política social de forma sencilla y directa. Al ser integrador, el teatro puede presentar experiencias capaces de transcender las ideas erróneas preconcebidas.

Además, el teatro es un medio probado de progreso y defensa de las ideas, que mantenemos y por las que estamos dispuestos a luchar cuando no se respetan, de forma colectiva.

Para anticipar un futuro de paz, debemos comenzar usando medios pacíficos que busquen comprender, respetar y reconocer las aportaciones de cada ser humano en la tarea de esta búsqueda de la paz. El teatro es ese lenguaje universal a través del cual podemos promover mensajes de paz y reconciliación.

Permitiendo a cada participante comprometerse activamente, el teatro puede hacer que muchos individuos deconstruyan ideas preconcebidas y, de esta forma, ofrece al individuo la oportunidad de renacer para tomar decisiones basadas en conocimientos y realidades redescubiertas. Para que el teatro crezca con fuerza, entre otras formas de arte, debemos dar un paso decidido hacia adelante incorporándolo en la vida diaria, abordando asuntos críticos de conflicto y paz.

En su búsqueda de transformación social y reforma de las comunidades, el teatro ya existe en áreas devastadas por la Guerra y entre poblaciones que sufren pobreza o enfermedad crónica. Hay un número creciente de historias donde el teatro ha sido capaz de movilizar con éxito audiencias para construir conciencia y para atender a víctimas de traumas de postguerra. Plataformas culturales como el “Instituto Internacional del Teatro” que tienen como objetivo “consolidar la paz y la amistad entre los pueblos” ya están en marcha.

Es por tanto una farsa mantenerse callados en momentos como el nuestro, conociendo el poder del teatro, y permitir a los que empuñan armas y lanzan bombas ser los pacificadores de nuestro mundo. ¿Cómo pueden estas herramientas de alienación ser también instrumentos de paz y reconciliación?

Os exhorto, en este Día Mundial del Teatro, a reflexionar sobre esta posibilidad y a proponer al teatro como herramienta universal de diálogo, transformación y reforma social. Mientras las Naciones Unidas gastan colosales cantidades de dinero en misiones de paz por todo el mundo, por medio del uso de las armas, el teatro es una alternativa espontánea, humana, menos costosa y de lejos, mucho más poderosa.

Si bien puede que no sea la única respuesta para conseguir la paz, el teatro debería ser incorporado sin duda como una herramienta eficaz en las misiones de paz.

Traducción: Proyecto ÑAQUE.

Lo que aprendí de él ....

por Ximena Biosca

Lo que aprendí de él…
es el regalo del universo interno

• que las cosas están a la Vuelta de la Manzana.
• que es hermoso cantar , pero es mejor Cantar sobre la Mesa,
• que El Imaginario Infantil va desde los clásicos de Las Aventuras de Pinocho, un convencional pero diferente Gato con Botas, pasando por recreaciones peculiares de Popeye y Olivia.
• Stan y Oliver pueden hacer muchas películas, porque siempre están ahí y aunque no lo puedas creer, recrearse en cualquier momento, reviviendo en una Trup sin Fin, con personajes entrañables: Pinocho, Chaplin y tantos
• Con Narices descubrimos que después de tanta sombra por ahí, los payasos volvían para estar ahí y conseguir en democracia estar “sencillamente en el lugar”.
• Con la inefable saga de Vivitos y Coleando, supimos sentirnos vivos, mirarnos otra vez y saber que “ir creciendo es ir ganando y perdiendo”
• Reaprendimos con cada uno de los Objetos Maravillosos a jugar con papeleros, cucharitas y cajitas de bombones. Cada uno desde su lugar es capaz de “abrir ventanitas y cortinitas de par en par para poder ver un poquitito más allá”
• Siempre hubo lugar para Familias Fernández, tan identificables, prototípicas y entrañables, en la que los secretos personales se vuelven universales.
• Huesito Caracú vino a reivindicar cuestiones: las de la tierra y los orígenes y cantarnos las más crueles verdades con tanta gracia que lo patético se nos volvió desopilante
• En El Salpicón donde la fantasía y la realidad se mezclaban, y comprobábamos lo bien que se llevan y que en el fondo en no saber cuál es cuál consiste la magia.
• Hay Hoteles Oasis por todos lados en donde suenan  Graves y Agudos
• Todo esto ahora se vuelve Locos Recuerdos….entrañables, legados

Lo que aprendí de él fue el derecho a la imaginación, con el sentí que tenía mi derecho representado en la platea del teatro y que podía reinventarme mundos como niña para después transmitirlo a otras generaciones.
Lo que aprendí de él es que los Derechos Torcidos de los chicos se pueden “enderezar” desde el hecho artístico respetuoso y convincente, sólo poniendo Manos a la Obra
Lo que aprendí de él es amar a la comedia musical, y mi devoradora y motivadora pasión por el teatro: ese hecho de verdad, con minuciosidad y profesionalismo.
Lo que aprendí de él es entender el juego colectivo y eterno del teatro de la manera más genuina.

• Lo que me deja hoy es un gran orfandad
• Lo que me deja hoy son hermosos recuerdos de mi paso por Río Plateado
• Lo que me deja hoy es su enorme obra, perdurable y vigente como la de María Elena

ETERNAS GRACIAS HUGO MIDON ...

Día Mundial del Teatro Infantil

Carta del Presidente de ASSITEJ Internacional en ocasión del Día Mundial del Teatro para Públicos Jóvenes

El teatro, verdaderamente, es una tradición viva; en todo el mundo. Las artes escénicas han sido parte de la vida cultural durante miles de años. Y durante siglos también los niños y los jóvenes han formado parte de sus públicos. La importancia de ofrecer un acercamiento a las artes teatrales desde la más temprana niñez –y a lo largo de toda la vida- es evidente. El acto de ver teatro es en sí mismo un arte que debe ser aprendido. Escuchar es una práctica que entre más se ejerce, más lleva a la comprensión. El teatro para públicos jóvenes tiene mucho que mostrar, mucho que decir, mucho que comunicar: impresiones y expresiones, actitudes y acciones, experiencias y visiones. En los escenarios se pueden contar historias, pero para que las imágenes y los significados cobren vida se necesita un público que los perciba. ¡En ello hay un milagro! Y por esto, el teatro no nada más y simplemente es parte del patrimonio del mundo, también debería ser reconocido como la octava maravilla del mundo. Y los actores, dramaturgos, directores, músicos, investigadores, educadores, técnicos, diseñadores de escenografía y de vestuario seguirán trabajando para cultivar esta maravilla para las siguientes generaciones. Tiene que ser posible que todos los niños y jóvenes reciban este legado. Por lo tanto, me dirijo a todos ustedes en el Día del Teatro para Públicos Jóvenes con la esperanza de que los políticos, la sociedad civil, los mercados globales y las empresas locales presten especial atención al teatro para niños y jóvenes, que hagan posible que se garantice que todos los años todos los niños de todos los jardines de niños, y todo niño en toda escuela, puedan asistir al teatro al menos un par de veces. Pues el juego del teatro sólo puede jugarse de verdad cuando hay un público con quien jugarlo.

Wolfgang Schneider

Las máscaras venecianas y la Commedia dell'Arte

La historia de la máscara veneciana se inicia en el 1268, año en la que renace la antigua ley que limita el uso inapropiado de la máscara: en este documento quedaba prohibido a los hombres con máscara, los llamados 'mattaccini' (camorristas disfrazados grotescamente con un traje multicolor ajustado al cuerpo y con máscara) con el juego de los 'huevos' que consistía en lanzar huevos rellenos de agua de color rosa contra las damas que paseaban en las calles.

La máscara era el signo de la libertad y de la transgresión a todas las reglas sociales impuestas por la República Veneciana. La máscara era el símbolo de la necesidad de abandonarse al juego, a la intoxicación de la fiesta y de la ilusión de vestirse con ropa de algún otro, la fiesta del Carnaval expresaba, por tanto, varios significados: era la fiesta de la transgresión y de la inmoralidad.

La 'Commedia dell'arte'
Está ampliamente representada en los teatros de Venecia: 'La Fenice', 'Goldoni' 'Groggia', 'Malibran' 'Rossini' es la comedia hecha por actores profesionales pero no es un teatro con un libreto al que los actores tiene que ceñirse, si no que es un teatro de improvisación. Cada actor tiene un repertorio de frases y bromas que intercala y construye en su papel. Las obras se dividen en tres actos, tienen una trama definida y una serie de personasjes arquetipos: 'Cappi, Zanni, Scaramuccia, Pulcinella, Tartaglia, Naso Turco, Ride, Piangi, Bauta, Pantalone, Arlecchino' cada uno con su propia máscara. 

Día de la Commedia dell'Arte

El Día de Commedia dell’Arte es celebrado cada 25 de febrero conespectáculos, conferencias, lecturas, talleres y otros acontecimientos que ocurren en ciudades por todo el mundo.

¿Por qué el 25 de febrero?

Es el "cumpleaños" de la Commedia dell’Arte y del teatro profesional El 25 de febrero de 1545, una compañía bajo el liderazgo del Caballero Maphio firmó el primer contrato de una incorporación teatral en Padua, Italia. El documento, preparado por un notario local, es la documentación existente más antigua en la que actores declaran su trabajo como una industria legítima. La Commedia dell’Arte (que se traduce como "Teatro Profesional") combinó el "negocio" con el "mundo del espectáculo".


¿Quién promueve este acontecimiento?

El día de Commedia dell’Arte es promovido por la asociación cultural europea SAT, reconocido por las Naciones Unidas como la única ONG  dedicada a salvaguardar y promover la tradición de Commedia dell’Arte. El taller más importante del 2011 ocurrirá en Turín y será organizado por el teatro Santibriganti. La Compañía de Teatro Faction of Fools, basada en Washington, DC, es el Coordinador Internacional de esos acontecimientos.

Mensaje para el Día de la Commedia dell'Arte  2011

Cada personaje de la comedia del arte tenía rasgos muy marcados y una ciudad o pueblo de origen muy definido:

• Arlechino (Arlequín) es un hombre de campo (de Bérgamo) y viste un traje de rombos, lo que pretende ser una versión estilizada de las vestimentas con remiendos. Es el criado de Pantalone o Pantalón, rico comerciante veneciano.
• Columbina (en español Colombina) también llamada Arlequina, era la criada de la enamorada, y la amante de Arlequín.
• Il Capitano un soldado fanfarrón, pero cobarde en el fondo.
• Scaramuccia (o Scaramouche), un espadachín aventurero que substituyó al capitán en versiones posteriores.
• Il Dottore, de Bologna, la ciudad de más tradicíon universitaria, representa el mundo de la aristocracia y la cultura. También es un glotón y un bebedor, siendo su máscara roja indicativo de ésto último.
• Pantalone (Pantalón de Bisognosi, Pantalón), rico y mísero comerciante veneciano, padre de Isabela y amo de Arlequín, al que trata déspotamente.
• Pedrolino (o Pierino, de Vicenza, que dio lugar a Pierrot) es el precursor del payaso listo, con su cara blanca y su sombrero de pico.
• Pulcinella (o Polichinela), procedente de Nápoles, un jorobado mujeriego y maltratador.

Caben destacar varios personajes más, posteriores a los tradicionales de La Commedia:

• El médico en tiempo de peste no fue una máscara tradicional del carnaval. En 1630, año de la más terrible peste que azotó a Venecia, los encargados de asistir a los enfermos, se ponían un traje especial inventado en Francia. Un largo ropaje negro, con sombrero de médico y guantes era acompañado por una máscara, con ojos de cristal y una larga nariz rellena de materiales perfumados. En aquella época, representaba lo máximo, en materia de prevención. La máscara del médico en "tiempos de peste", se impuso hace 20 años después del renacimiento del Carnaval de Venecia.
• La Bauta es una máscara que tuvo su debut hacia finales del 1600. Adoptada sólo por hombres, posteriormente conquistó a las mujeres. La particular forma saliente del rostro permitía modificar el timbre de voz de quien la llevaba. La Bauta no era sólo el rostro sino el disfraz entero.

Argentina Canta Por la Paz

La Cantata más esperada

por Ximena Biosca

Concebida como un proyecto cultural y educativo en el marco del Bicentenario Nacional, la Cantata Argentina Canta por la Paz fue además un hecho artístico inédito y hermoso.
Con objetivos generales y abarcativos, ecuménicos y algo grandilocuentes como “favorecer la integración y la convivencia entre los niños pertenecientes a distintos credos religiosos, realidades sociales y colectividades que habitan el país” y algunos concretos y asibles como: “complementar la educación musical de las escuelas participantes para “amalgamar diferentes expresiones interrelacionadas como música, teatro, plástica”, “contribuir al trabajo de los docentes de las escuelas del país” y “permitir que los alumnos experimenten el hecho de formar parte de un conjunto coral”, luego de muchas postergaciones y dilaciones el espectáculo tuvo cita en el Microestadio Malvinas Argentinas el domingo 19 de diciembre.
El proyecto fue pensado para que concurriera el simbólico número de 1810 chicos, pero finalmente por la suspensión del evento (que iba a realizarse en Plaza de Mayo) participaron 800 aproximadamente.
Argentina Canta por la Paz fue desde su concepción e ideación impecable: se elegían como participantes a alumnos de 5to. grado de escuelas primarias de diferentes confesiones religiosas y colectividades y muchas escuelas públicas y se involucraba a los docentes para que trabajaran mancomunadamente con quienes proyectaron e interpretaron el espectáculo.
Desde el primer momento la Cantata se complementó con un sitio web, muy bien diseñado y accesible, no sólo para los involucrados en el proyecto, sino para el público en general. Ahí mismo se pudieron conocer y bajar las partituras y las letras que conformaron las eclécticas (tanto en sus letras como en sus variedades musicales) 12 canciones.
Canciones más ecuménicas y universales como “leitmotiv” de la Cantata: “Caminando Juntos” y la emotiva “Unidas las manos”, otras bien corales (valga la tautología como “El Coro de los Chicos)”, algunas con referencias a la amplia y generosa geografía Argentina: “El mapa”, “ Lo que tenemos”, y otras más propiamente alusivas al bicentenario como: “De dónde viene la papa” y “Manuel Sueña” (la única con una referencia precisa a un prócer).



He ahí uno de los grandes méritos de esta Cantata. Cuando hubiera sido mucho más sencillo, hablar sobre San Martín, sobre los símbolos patrios o cualquier otra referencia “de acto escolar”, este es el principal hallazgo: que no cae en didactismos ni en demagogias. Por el contrario, cuenta en 12 bellas partituras parte de nuestra historia y habla de un imaginario colectivo, preciado y deseado; recatando valores como la paz, la unidad, la memoria y los anhelos de una nación que piensa y proyecta un futuro. En este sentido, no hay ni un ápice de “chauvinismo” y eso es lo más rescatable en una obra de este tipo.
Todo lo afirmado es puro mérito del  “dream team” convocado, compuesto por el maestro Carlos Gianni (uno de los referentes musicales más importantes en música para chicos) en la dirección musical y artística, Silvina Reinaudi (partenaire en muchos espectáculos de Gianni) en el guión y las letras, Betty Rodríguez para la dirección coral, Rubén Segal en la dirección escénica y en la dirección de orquesta y arreglos: Sergio Blostein.
Del show en sí mismo se puede decir, que pese a las limitaciones del espacio (una lástima que en un momento no hayan permitido el ingreso de más personas por restricciones municipales) los chicos se lucieron en un trabajo metódico de coordinación, precisión y ritmo. Parecía increíble, observar a 800 chicos articulando las canciones en una puesta en escena que sin ser “coreográfica pura”, tenía toda la  plasticidad y el dinamismo de una danza en conjunto (puro merecimiento del trabajo de Rubén Segal).
La Cantata tuvo su orquesta en vivo, con todos los instrumentos a disposición de los chicos (otra oportunidad de conocer y palpar cosas lejanas y “excelsas”) y ver una orquesta soñada para algunos niños de escasos recursos que participaron de este proyecto. Así pudieron oír e interactuar con clarinete; teclados; flauta; contrabajo; piano; batería y oboe  en donde se lucieron músicos como Javier Estrin y  Mariano Gianni.
También estuvieron dos actores efectivos y probados en el universo del teatro infantil  como Jorge Maselli y Marcelo Albamonte, que hicieron las veces de maestros de ceremonia/cantantes principales, sostenidos por el gran coro de los chicos, vinculando y organizando las canciones con los breves textos y algunos gags, acompañados por una lucida producción audiovisual con imágenes ilustrativas, pero sin golpes bajos. Sólo complemento de lo que debería resaltar: la delicadeza de las voces en conjunto y la profundidad del contenido.
Argentina Canta por la Paz, promete un documental a estrenarse en 2011. Seguramente reflejará todo el esfuerzo de un proyecto loable, desde lo cultural y desde lo artístico que hubiera merecido un mejor espacio donde la Cantata de los chicos pudiera lucirse…. Nos quedamos con las ganas y tratándose de un proyecto que cuenta con apoyo oficial bogamos por su continuidad. Un proyecto íntegro, acabado y armónico  que ayuda a mirarse y a mirarnos como sociedad.

Sitio web: http://argentinacanta.org/crm/

Cantando con Adriana “Fiesta de Disfraces” en el Gran Rex

Una fiesta repleta

por Ximena Biosca

Luego de un exitosísimo 2010 en el que trasladó sus tradicionales y clásicas temporadas del Auditorio de San Isidro y el Auditorio de Belgrano al Astral de la calle Corrientes, Adriana culmina este año bisagra de su carrera colmando tres fechas en el Gran Rex -quizás el “desideratum” de todo artista-. No sólo por lo que tiene de simbólico, sino que en ese espacio gigante, cualquier sensación y emoción se potencia, se hiperboliza.
Los que seguimos la carrera de la cantante maestra, nos acordamos de una temporada invernal en la calle Corrientes hace muchos años. Pero luego Adriana fue afianzando su recorrido desde el boca a boca y desde sus clásicos espectáculos del Paseo la Plaza (allá por el 2001) hasta llegar a estos dos shows de Alfiz Producciones.
Se sabe, ella le escapó siempre a las producciones ajenas (hizo de su Productora Parachicos, su trabajado y amoroso andamiaje y su reducto familiar) y desde ahí fue generando y alimentando cada uno de sus espectáculos en artística y en estética, por ejemplo las escenografías se fueron haciendo un sello distintivo; recreando personajes y canciones -que no son sólo el Sapo Pepe- y ampliando sus línea a todos los CDS, DVDS y el merchandising que la acompaña y la cobija, incluyendo una valorable colección de libros. Se sabe además, ella le escapó siempre a la parafernalia televisiva y el corolario de estos diez años parecen haberle dado la razón.
El espectáculo es el mismo del Astral: la consigna/invitación a que los chicos fueran disfrazadas, se cumplió en gran parte. Aún en este reducto inmenso que es el Rex, se divisaron múltiples disfraces, sólo para jugar por jugar (como dice una de las canciones que más la identifican).
Esta vez, para para completar la fiesta, el show contó con más actores/bailarines que recrearon los clásicos personajes y con más coreografías y bailes para acompañar a las entrañables canciones: Carolina Safran, Flor Lerer, María Florencia Morales. Matías Messina, Gastón Blanco, Cecilia Basílico y Cecilia Condon, Daniel Sciarrone, Fabio Camino y Juli Strauch fueron el complemento ideal para esta festejo potenciado. Justamente su hija, Julieta Strauch, coreógrafa de sus espectáculos fue creciendo en el escenario y para los que la vimos acompañar a su mamá desde tan pequeñita; es conmovedor observarla “regalándole” ese hermoso tema de Daniel García y Mario Shajris, grabado en uno de los primeros discos (el infaltable de tapa verde) y compartiéndolo con su abuelo: Saúl Szusterman, otro imprescindible en sus espectáculos.
Aún en un espacio tan grande, y en ese sentido que puede conspirar con los climas intimistas, ese momento emotivo es el que más se agradece, al igual que el homenaje a María Elena Walsh -bello trabajo discográfico de Adriana- recreando versiones eternas con teatro negro clásico.

Adriana, Adri, para los chiquitos, la que acarreó el nombre de Amapola en sus primeros años; hoy es ella, identidad pura. A fuerza de carisma, magia, talento y convicción. Declarada de interés general por la Cámara de Diputados en 2007, con más de 100.000 espectadores aclamándola en este año; Adriana trascendió niveles socioeconómicos y clases sociales (eso es un de los aspectos más interesantes de alguien que fue maestra de un colegio progresista de Palermo).
Hoy llega a todos, ese es el fenómeno del que todos hablan y ella agradece, sonríe y se da el lujo de hacer tres Fiestas repletas en el Gran Rex.